sábado, 26 de marzo de 2011

Para entrenar el ojo


Resulta que no sé escoger una buena fotografía, pero he leído que si veo muchas tomadas por los grandes maestros, mi ojo empezará a entender esta gramática y algún día llegará que vea un "dibujo hecho por la naturaleza" -como me dijo una vez Valle -  y saque una buena composición en soporte fotográfico.

Grafiti

 
 
 
 
 
 
 
Origen


Es un término tomado del latín graphiti: en italiano, graffiti es el plural de graffito, que significa ‘marca o inscripción hecha rascando o rayando un muro’ y así se llaman las inscripciones que han quedado en las paredes desde tiempos del Imperio Romano.

El cultismo se popularizó y pasó al inglés coloquial al usarse en periódicos neoyorquinos en los años setenta. Por influencia de la cultura estadounidense, el término se popularizó en otros idiomas, entre ellos el castellano.

También le tengo un gran respeto a los grafiteros. Es un arte que no lo hace cualquiera. No me veo dibujando a gran escala y que no halla graves deformaciones. Y aprovecho para felicitar a los de 2º de Ilustración que ayudados de Frank crearon los graffiis que adornan las escuela. No sé cual me gusta más: si wapa esta la negra maquillada, la cabeza del gorila no se queda atrás,... y luego nos fijamos en la caricatura del profesor calvete con ojos azules,...
Mariceli

Me encantaría sacarle provecho a la fotografía

Me chiflan este tipo de imágenes, por los detalles, los efectos. Espero que el año que viene se me de mejor el dibujo con los programas del ordenador que con el lápiz. Odio el tema de la goma, estar siempre limpiando mijillas y que siempre queden restos. Eso por no hablar del sudor de manos que lo refriego a veces por el papel, y cuando coloreo con ceras -blandas- el acabado no llega nunca.
Mariceli

miércoles, 23 de marzo de 2011

Carnaval de Río de Janeiro. El esfuerzo disfrazado de espectáculo.

http://totallycoolpix.com/2011/03/rio-de-janeiro-carnival-2011/
Con abundancia de colorido, cuerpos sensuales y mucha diversión se presentan las doce Escuelas de Samba. Éstas se disputan el prestigioso título de 'Campeona del carnaval'. Este año ha incluido un momento especial en homenaje a las bandas que perdieron la mayoría de disfraces y carros en un incendio de sus almacenes el pasado febrero. ¡Un agradable conjunto diversión y solidaridad!

Fotoperiodismo. En el ojo del huracán.

He encontrado la fuente de algunas de las tomas mas impactantes que había visto, en la anterior entrada con Daniel Guerra ofrecía una premisa de la denuncia  como objeto de la fotografía. No promueve el morbo, sino el hambre de conocer a los colectivos mas desfavorecidos por la causa (o la no-causa) humana o por catástrofe natural, para así, desatar de alguna manera, a la sensibilidad y la posterior actuación del receptor en la medida de lo posible, partiendo de la opinión lo mas objetiva posible.
http://blogs.eurielec.etsit.upm.es/freedreams/posts/2005/01/11/las-mejores-fotos-del-2004/
http://blogs.eurielec.etsit.upm.es/freedreams/posts/2006/02/10/las-mejores-fotos-de-2005/
http://blogs.eurielec.etsit.upm.es/freedreams/posts/2007/02/10/las-mejores-fotos-de-2006/

martes, 22 de marzo de 2011

FOTOPERIODISMO

http://www.fundacionpedromeyer.com/china/daguilar/indexsp.html
      Bueno primero os dejo un enlace para que conozcáis  a Daniel Aguilar, que en gran parte de su trabajo toma a la fotografía como una herramienta de denuncia. Éste cometido para la producción artística refuerza mi interés por conocer y participar mas en el mundo en que vivimos.

James Mollison

Hoy os presento a este fotógrafo que nació en Kenia en 1973, y creció en Inglaterra. 
Después de estudiar Arte y Diseño en Oxford Brookes University, y más tarde de cine y fotografía enNewport Escuela de Arte y Diseño, se trasladó a Italia para trabajar en el laboratorio creativo de Benetton, Fabrica. 
Su trabajo ha sido hecho público en todo el mundo, incluyendo Color's, el New York Times Magazine, la revista The Guardian, The Paris Review, The New Yorker y Le Monde. 
Su último libro "Los discípulos" se publicó en octubre de 2008, después de su primera exposición en  Hunt Gallery de Nueva York.
En 2007 publicó "La memoria de Pablo Escobar-la extraordinaria historia de el gángster más rico y más violento en la historiacontada por cientos de fotografías reunidas por Mollison.
Mientras veía un documental en televisión sobre primates, el fotógrafo inglés James Mollisón se dió cuenta de que estos, independientemente de la especie que fuesen, tenían un gran parecido físico con los seres humanos.






Situados en la delgada línea que separa al hombre del animal, pensó que sería interesante fotografiarlos mostrando asi  la similitud que los grandes simios tienen con los humanos.

Para llamar la atención sobre este asunto ha realizado una serie de retratos a gorilas, chimpancés, bonobos y oraguntanes. La estética de las fotos, como vemos, es similar a la de nuestras fotos de pasaporte, y para realizarlas, James Mollison viajó a Camerún, el Congo e Indonesia, en busca de huérfanos víctimas del comercio ilegal de carne. su trabajo sobre los grandes simios ha quedado plasmado en un libro titulado "James y los otros simios"  ademas de conformar una exposición incluida en el Museo de Historia Natural de Londres, (Chris Boot, 2004).

"Inogo"


"Simon"


"Pumbu"
Carmen Martínez De Castro

One hundredth of a second

Cruel corto relacionado con el conflicto moral de un fotografo a la hora de conseguir una gran foto. Un ejemplo es la fotografía de "La niña y el buitre", por Kevin Carter.
Un corto bastante aclamado que se llevó varios premios, que nos recuerda lo duro que llegan a ser algunas cosas.


Paula Ahumada Pérez

domingo, 20 de marzo de 2011

Rebecca Horn una de tantas...Que no saben que es arte...

Rebecca Horn nació el 24 de marzo de 1944 en Michelstadt, Alemania. Es sobre todo una artista de performances e Instalación artística, pero también escribe poesía. A veces su poesía está influida por su obra. Le enseñó a dibujar su institutriz rumana y se obsesionó con el dibujo como forma de expresión porque no era tan limitadora como el lenguaje oral. Viviendo en Alemania después de la Segunda Guerra Mundial afectó en gran medida al gusto que tomó por el dibujo. «No podíamos hablar alemán. Los alemanes eran odiados. Teníamos que aprender francés e inglés. Siempre estábamos viajando a otros lugares, hablando otro idioma.
Horn pasó la mayor parte de su infancia en internados y a los diecinueve años de edad se rebeló contra el plan de sus padres de estudiar economía y decidió en lugar de ello acudir a la Academia de Bellas Artes de Hamburgo. Un año más tarde tuvo que salir de la escuela de arte porque había contraído un serio envenenamiento pulmonar. «En 1964 tenía veinte años de edad y vivía en Barcelona, en uno de esos hoteles que alquilan habitaciones por horas. Trabajaba con fibra de vidrio, sin marcarilla, porque nadie dijo que era peligroso, y enfermé mucho. Durante un año estuve en un sanatorio. Mis padres murieron. Estaba totalmente aislada». Después de experimentar este «total aislamiento» hasta que sintió que su vida estaba acabada antes de haber comenzado, se marchó del hospital. Aun estaba demasiado enferma, sin embargo, para reanudar la vida como un estudiante o trabajar con fibra de vidrio y poliéster. Tenía que tomar grandes cantidades de antibióticos y dormía muchas horas para tener energía suficiente que le permitiera actuar normalmente. Podía, sin embargo, trabajar con materiales más suaves, y cuando estaba en la cama dibujaba con pinturas de madera (que aún son su medio favorito para dibujar). También empezó poco a poco a salir de su aislamiento autoimpuesto y empezó a crear escultura y extrañas extensiones con madera de balsa y tela. «Comencé a producir mis primeras esculturas corporales. Podía coser tumbada en la cama». Su intención era sofocar «su soledad comunicándose a través de formas corporales».




Cuando Horn regresó a la academia de Hamburgo continuó haciendo cosas tipo capullo y movidas por el estilo. Trabajaba con extensiones corporales acolchados y vendas protésicas. A finales de los años 1960 empezó a crear arte de performances y siguió usando extensiones corporales.
Moises Miranda es lo que tiene que enseña y entretiene.
No se si lo que dice es verdad o mentira...

sábado, 19 de marzo de 2011

Orlan

Orlan es una artista francesa que empezó con la pintura.
Ha experimentado desde 1990 siete operaciones de cirugía estética para alcanzar La obra maestra absoluta: la reencarnación de santa Orlan. Cada operación es una performance que pone en escena toda una parafernalia mediática: a través de internet puede seguirse el desarrollo de cada operación; también pueden adquirirse vídeos de todas sus operaciones, pero lo que más llama la atención es cómo Orlan vende restos orgánicos de su piel y grasa a modo de reliquias (de ahí lo de su autodenominación de santa Orlan) Su objetivo no es otro que el de parecerse a un retrato robot electrónico compuesto de un collage de los rasgos de las mujeres retratadas por los mejores pintores del Renacimiento: desde la frente de la Gioconda hasta la barbilla de la Venus de Botticelli.
Ataca los cánones impuestos por la sociedad al utilizar la cirugía estética para autodiseñarse. Repite hasta la saciedad mediática eslóganes como “He donado mi cuerpo al Arte” o “el cuerpo no es más que un disfraz”. Proclamadora de la obsolencencia del cuerpo, Orlan está contra lo natural, lo congénito y la actitud de conformarse con el cuerpo dado.
La crítica a su peculiar “filosofía” o “estética” posthumanista puede contentarse únicamente con las más simples contradicciones que presenta su discurso. Su feminismo contradice su posthumanismo y viceversa, en la medida en que ataca lo natural por un lado y después defiende un canon de belleza totalmente antinatural creado por ella mismo, basándose en el Renacimiento. Es paradójico que se esté contra un canon impuesto y se pretenda imponer otro, aunque sea un canon renacentista. Orlan esconde, según Dery, un sueño narcisista: “convertirse en la primera celebridad posthumana en los círculo artísticos.” 


Carmen Martínez De Castro

Fotografia Nocturna

Debido a las características especiales de las condiciones de iluminación, la fotografía nocturna goza, entre fotógrafos y aficionados, de un cierto prestigio y áurea de dificultad. Si bien ambas cosas son ciertas, no significa que la fotografía nocturna esté fuera del alcance de un aficionado, pero se debe tener en cuenta que las condiciones de trabajo (en este caso la noche), no deben convertirse en el tema de la fotografía.




La noche ha sido siempre un reto para el fotógrafo. Si quieres aprovechar la magia de la fotografía nocturna, sin tener que resolver los problemas del alto contraste que se produce en el entorno urbano, utiliza las últimas luces del día.


La fotografía nocturna te puede permitir obtener imágenes realmente espectaculares, de este modo puedes conseguir que las características de la noche aporten la atmósfera necesaria al tema de tus fotografías.

En realidad, las diferencias básicas entre la fotografía realizada durante el día o durante la noche, se resumen en que en la nocturna tendrás:

  • Ciertas dificultades técnicas que se derivan de la falta de luz.
  • Trabajo más lento debido a la necesidad ineludible del trípode y a las mencionadas condiciones de luz.
  • Tiempos de exposición prolongados, que pueden llegar a varios minutos.
  • "Ruido" en la imagen debido a las exposiciones prolongadas y la poca intensidad de la iluminación.
  • Luces puntuales procedentes de las fuentes de luz artificial o, en su caso, de la luna.
  • Mayor contraste entre las zonas iluminadas y las sombras.
  • Cambio en el aspecto del motivo debido a la diferencia con la visión bajo luz solar (imágenes más misteriosas e insólitas).



La mejor hora para tomas nocturnas

Contrariamente a lo que pueda parecer, las mejores fotografías nocturnas las podrás obtener cuando no sea de noche. Al anochecer y al alba (especialmente en el primer caso), son los momentos más recomendables para realizar tomas de paisaje que parezcan escenas nocturnas. En los breves minutos del crepúsculo, los restos de luz de día en el ambiente actúan como luz de relleno. La tenue luz ambiente ilumina las sombras y evita que éstas aparezcan sin detalle. Si la toma la realizas al alba, el efecto es muy parecido, pero deberás trabajar en una franja de tiempo más corta. Al despuntar el día la intensidad de la luz aumenta mucho en pocos minutos y, por tanto, desaparece el efecto de nocturnidad.

En ambientes urbanos bastará con disponer del alumbrado público encendido y las luces de escaparates o coches, para que el espectador no tenga ninguna duda de que es una toma nocturna, aunque la hayas realizado antes de que sea realmente de noche. Debes tener en cuenta que al amanecer suelen haber menos luces encendidas en edificios o monumentos. Sin embargo, esta circunstancia, aparentemente desfavorable, también puede ser aprovechada para poder plasmar una escena con una "luz diferente".

Para las capturas realizadas en paisajes naturales o en el campo, debes tener presente que no existe la referencia de nocturnidad que ofrecen las luces artificiales. En estas circunstancias resulta muy difícil realizar una toma nocturna sin contar con el apoyo de los restos de luz de día en el ambiente. De lo contrario, sólo podrás captar la luz del cielo y un suelo completamente subexpuesto.

Carmen Martínez De Castro

lunes, 14 de marzo de 2011

Richard Avedon

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Richard Avedon (Nueva York, 15 de mayo de 1923 - San Antonio, Texas, 1 de octubre de 2004) fue un fotógrafo estadounidense.

CARRERA PROFESIONAL
Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
En los años 1960, Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro Nothing personal. A finales de los 1960 y principios de los 1970, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el diario New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el Muro de Berlín.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.
En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.
Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17.000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In the american west 1979 – 1984.
Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.
Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.
El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por la revista The New Yorker, el cual se titulaba «On democracy», y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1 de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.
En el año 1991 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad                                       




                                                                           Guillermo Velasco Paez

domingo, 13 de marzo de 2011

UN EJEMPLO DEL MAL GUSTO....

Esto es un claro ejemplo de que es NO ARTE y por el contrario un gran ejemplo del mal gusto,daña los oidos y desprestijia por completo el concepto de belleza o arte en si.




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como onsecuencia una buena parodia.......


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jueves, 10 de marzo de 2011

Alumnos

Mariceli

Impresiones de la Sony a55 / Qué es, y como se diferencia de las DSLR?

Sun, Feb 27, 2011 a las 1:54 pm
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Sony a55 437x400
Algunos meses atrás, tuve la posibilidad de probar una Sony a55, una cámara de lentes intercambiables de la serie Alpha de Sony cuya característica principal, es que se trata de una cámara Single-Lens Translucent, que se diferencia bastante a las cámaras que estamos acostumbrados.
Pero para poder explicarlo, vamos a tener que entrar un poco en el tema de cómo funciona una cámara actual, empezando por explicar qué es DSLR.

DSLR

Es el acrónimo de Digital Single-Lens Reflex Camera. Son cámaras digitales que utilizan un espejo mecánico y pentaprisma para dirigir la luz que entra por el lente, hacia el visor.
Son la evolución digital de las cámaras réflex de película, sustituyendo el film por un sensor de imagen, que captura la luz.

Cómo funciona? Para poder apreciar lo que vemos en el lente, se utiliza un espejo que “rebota” la imagen que ve el lente, hacia el pentaprisma, que finalmente desvía la imagen hacia el visor.
Cuando queremos capturar una imagen, este espejo se levanta, para que la imagen quede grabada en el sensor. Así es, básicamente, como funciona una DSLR.

Y la Sony Alpha a55 y a33?

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La Sony a55 es una cámara con un diseño bastante innovador. En lugar de utilizar el espejo y pentaprisma como vimos en la imagen anterior, lo que la a55 (y a33) hacen, es utilizar un espejo translúcido.  De esta forma, es posible tomar fotos inmediatamente, pues el espejo no se tiene que mover.
Este tipo de cámaras se conoce como SLT (Single-lens translucent) y ofrece interesantes ventajas, además de algunas desventajas.

Ventajas y Desventajas de las SLT frente a las DSLR
La gran ventaja que ofrece la a55, es la velocidad con la que puede tomar fotografías. Para estar en un rango medio de precio, la a55 es capaz de capturar hasta 10 imágenes por segundo. En comparación, mi Canon T2i, que está en un rango de precio similar, puede capturar 3.7 imágenes  por segundo
Otra gran ventaja es que, al tener un espejo translúcido, es capaz de mantener el autofocus incluso utilizando video (algo con lo que las DSLR luchan), además de realizarlo mucho más rápido.
Las desventajas? el visor no es óptico, sino electrónico. Este tipo de visores, sin embargo, ha evolucionado considerablemente, así que no me ocasionó problemas (como con otras cámaras con visores electrónicos que había probado en el pasado)
Y como parte de la luz que pasa por el espejo translúcido se pierde, el sensor capta un poco mejos de luz (aproximadamente 1/3 EV en la a55 / a33).


La Sony a55

Screen shot 2011 02 26 at 3 36 31 PM
Debo decir que disfruté bastante con la a55 en el tiempo que la tuve. No soy un fotógrafo profesional por ningún lado, pero desde hace tiempo ya vengo cultivando el gusto por la fotografía. Pueden ver mi Photostream o añadirme como contacto en Flickr desde aquí: http://www.flickr.com/photos/arturogoga/
A pesar de mis prejuicios, no tuve problema alguno en usar un EVF (electronic viewfinder) en lugar del visor óptico que tiene mi Canon T2i. Una de las ventajas de usar un visor electrónico es la cantidad de data visible en la pantalla. En un visor óptico, la información presentada se reduce sólo a lo más esencial, obligándonos a retirar la vista para ver más info en el LCD. Con el EVF, casi nunca tenía que sacar los ojos del visor, puesto que todo aparecía en éste.
El LCD que incluye la a55 lo podemos rotar / girar y mover (similar a la Canon 60D o la nueva T3i,  o a las cámaras NEX de Sony), lo que le da bastante versatilidad para poder fotografiar y, sobre todo, filmar video en ángulos extraños.
Screen shot 2011 02 26 at 3 47 49 PM
Y hablando de video, la a55 puede grabarlo a 1080i en AVCHD a 30 cuadros por segundo, o 1440×1080 en MP4, además de VGA. La gran ventaja, al ser un SLT, es que la cámara puede mantenerse en foco automático durante la grabación, algo bastante difícil (y a veces imposible) en una DSLR. Con una DSLR, mantener un objeto en movimiento en foco es bastante complicado. Al usar detección de fase, en lugar de detección por contraste, gracias a esta tecnología la a55 puede detectar objetos que se mueven rápidamente, dándonos un muy veloz AF
Algo que realmente me fascinó, fue la velocidad de captura de fotos. Nuevamente, gracias a la tecnología del espejo translúcido, la cámara es capaz de capturar en ráfaga hasta 10 imágenes por segundo en resolución completa (16.2 megapixeles).
Screen shot 2011 02 26 at 3 50 06 PM

Entre otras cosas, la cámara cuenta con un GPS incorporado. Muchas de las cámaras actuales tienen la opción de tener un GPS como un accesorio. En la a55, el GPS viene con la cámara, capturando los datos de nuestra ubicación cuando empezamos a tomar fotos. Es una función excelente, pues una vez subida la foto a Flickr, o añadida a iPhone / Aperture / Lightroom, estos datos están ya en el EXIF de la cámara, y podemos ver nuevamente dónde tomamos la foto con exactitud. Esta es una característica que me gustaría ver adoptada por el resto de fabricantes.
Otra característica que no llegué a probar pero sonaba interesante, es que la a55 puede capturar hasta 6 imágenes en una fracción de segundo y, combinándolas internamente, nos puede dar el mejor resultado como mezcla de estas 6 fotos. Esto, por ejemplo, para compensar movimientos que podrían aparecer en fotos nocturnas cuando estamos sin trípode.
Otra cosa pequeña pero valiosa: la cámara cuenta con una entrada de micrófono. Es algo que no solemos ver mucho en cámaras digitales, pero una característica que puede mejorar considerablemente lo que podemos hacer con esta cámara, cuando de video se trata.
Algo que me gustaría destacar, es lo sencillo del menú. La a55 nos da una detallada descripción de cada una de las funciones y de lo que hacen. En la mayoría de las DSLR, hay una brecha algo grande cuando saltamos de una simple cámara “point & shoot”. La a55 hace un excelente trabajo tratando de describir cada función y cada modo incluso para novatos, algo que heredó de la serie NEX. Por supuesto, tenemos todo el control de una cámara de lentes intercambiables, con la ventaja de que no tenemos que recurrir al manual cada vez que nos encontramos con una característica o función que desconocemos.


En Resumen


La Sony a55 me pareció una excelente cámara, tanto para personas que acabamos de evolucionar de las point & shoot, como para personas que están buscando hacerlo. La intuitiva y bien explicada interfaz ayudará bastante a los que recién estén dando el salto hacia cámaras más completas y complejas.
La a55 es bastante versátil, gracias a su pantalla LCD que rota. Y el usar el espejo translúcido realmente muestra claras ventajas al sistema de espejo / pentaprisma utilizado en las DSLR tradicionales. En resumen, es una muy buena opción para empezar a conocer el mundo de la fotografía.


Este post fue escrito por:

Arturo - que ha escrito 7331 posts.
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